Пуни Иван Альбертович 

Ivan Puni

(1892 - 1956)

И.А.Пуни запомнился современникам как последовательный кубист, крепкий живописец, утверждавший в дискуссиях 1920-х гг. бесполезность художника для производства, заявлявший о красивости небоскребов и машин самих по себе, впервые, пожалуй, делая разграничение между технической и художественной эстетикой.

Автопортрет

Родился Пуни в семье известного виолончелиста А.Ц.Пуни. Начальное художественное образование получил дома, брал уроки у И.Е.Репина. 

В 1900-08 гг. учился в Императорской Николаевской Военной академии. 

В 1909 г. открыл собственную мастерскую в Петербурге. 

В 1910-12 гг. жил в Париже, занимался в академии Р.Жюлиана и других художественных студиях. Вернувшисьв Петербург, познакомился с Д.Д.Бурлюком, В.В.Маяковским, В.В.Хлебниковым, К.С.Малевичем, участвовал в выставке "Союза молодежи".

В 1913 г. вновь отправился в Париж, где увлекся кубизмом, выставлял свои работы в Салоне Независимых. 

В 1915 г. вместе с женой, К. Пуни-Богуславской, организовал в Петрограде выставки "Трамвай "Б"", "0,10", в которых участвовали виднейшие художники-авангардисты - футуристы, беспредметники. Супруги Пуни провозглашали в листовке, распространявшейся на выставке "0,10", "свободу предмета от смысла". Пуни выполнил эскиз обложки футуристического альманаха "Футуристы. Рыкающий Парнас" (1914).

Иван Пуни в Куоккале. Фотография начала 1900-х годов

В январе 1916 г. вместе с К. С. Малевичем Пуни провел конференцию по современному искусству в зале Тенишевского училища в Петрограде. К этому же времени относится создание беспредметных произведений, близких к работам Малевича, а также жанровых картин и портретов ("Скачки", "Парикмахерская", "Игроки в карты", "Автопортрет"). Позднее, в Берлине в 1923 г., Пуни невысоко оценивал достижения русского беспредметного искусства (и своего собственного), определяя его как "беспредметное конструирование", "триста тысяч комбинаций из одного круга и пары квадратов".

После революционных событий Пуни активно занимался организационно-творческой работой: был одним из учредителей союза "Свобода искусству" (1917), в 1918 г. стал профессором петроградских ГСХМ, участвовал в праздничном оформлении Петрограда к первомайским торжествам и годовщине Октябрьской революции, работал на Государственном фарфором заводе, выполнил проект печати для Совнаркома.

Иван Пуни. Автопортрет. 1912 г.

В январе 1919 г. М.3.Шагал пригласил супругов Пуни преподавать в Витебскую народную художественную школу, но уже осенью Пуни возвратились в Петроград и в конце года выехали в Финляндию, а оттуда осенью 1920 г. - в Берлин. 

До 1923 г. Пуни писал беспредметные картины, участвовал в выставках. В 1923 г. в Берлине вышла в свет его книга "Современная живопись", в которой рассматривались актуальные проблемы искусства 1910-20-х гг.

С 1923 г. Пуни жил во Франции, общался с художниками современных направлений - Ф.Леже, А.Марке, А.Озанфаном, Дж.Северини. Пережил увлечение конструктивизмом, дадаизмом, кубизмом. 

Jean Pougny (Ivan Puni), 1954 (by Ida Kar)

В конце 1920-х-1930-х гг. писал эстетские, близкие к импрессионизму пейзажи, натюрморты, интерьеры. В 1946 г. Пуни принял французское гражданство, через некоторое время стал кавалером ордена Почетного легиона. 

В конце 1940-х - середине 1950-х гг. писал "мозаичные", составленные чистым цветом живописные композиции: "Арлекины" (1948- 56), "Оранжевое кресло" (1948), "Пригород" (1953) и др. В этот же период с успехом проходят его персональные выставки в галереях Парижа, в Нью-Йорке, Лондоне, Вене, Токио, Риме. Умер художник в своей парижской мастерской.

Творчество Пуни, на некоторое время ушедшее из поля зрения критиков и историков искусства, вновь было открыто в 1970-х гг. благодаря возросшему интересу к искусству авангарда. Сегодня произведения художника по праву занимают самые престижные места в экспозициях и коллекциях солидных музеев России, Европы, Америки.

____________________________

Иван Альбертович Пуни родился 20 февраля 1892 года в дачном пригороде Петербурга Куоккале – знаменитом месте, где долгие годы жил великий Репин, где бывали и встречались видные деятели русской художественной культуры. В настоящее время это место носит название Репино. 

Юрий Анненков. Портрет Ивана Пуни

       Семья, в которой рос будущий художник, была известна в музыкальных кругах. Отец Ивана – Альберт был талантливым виолончелистом, дед, итальянец Цезарь Пуни – композитором, чье имя вошло в историю русской музыки. 

       Под влиянием царившей в Куоккале творческой атмосферы и замечая тягу сына к рисованию, Альберт Пуни счел разумным избрать для него карьеру архитектора. Однако первые шаги к этому Ивану предстояло сделать в петербургском военном училище, где он провел с 1900 по 1908 годы. По окончании его Пуни не стал ни офицером, ни архитектором. Он выбрал живопись, к чему подготовили его частные уроки, которые все это время он брал у дружившего с семьей Пуни И.Е.Репина. 

       В 1909 году Иван Пуни обосновался в петербургском доме отца и устроил в нем свою мастерскую. Немного проучившись в одной из частных школ, он решил осваивать живописное мастерство самостоятельно и в 1910 году отправился с этой целью в Париж. Это первое парижское путешествие художника было насыщено множеством разнообразных впечатлений, но профессиональные занятия живописью складывались поначалу довольно спонтанно. Время от времени он работал в академиях Жюльена и Коларосси. Дружеские узы связали его с жившими тогда в Париже Н.Тарховым и Ю.Анненковым – мастерами совершенно разных направлений, немного повлиявшими на формирование собственного видения Пуни. Летние месяцы 1910-1911 годов Иван проводил в родной Куоккале, где писал портреты, натурные пейзажи и интерьеры, отмеченные явным тяготением к декоративизму цвета и некоторым воздействием увиденных в Париже полотен французских художников Боннара, Вюйара и Матисса. 

       На протяжении краткого периода времени, к 1912 году живописная манера Пуни сделала грандиозный скачок. Исполненный в Куоккале «Портрет отца» 1910 года отличается психологизмом и традиционно реалистическими приемами письма, усвоенными под руководством Репина. «Прогулка при солнце» 1912 года – образец новаторского отношения к форме, цвету и пространству, произведение, полное открытой экспрессии и отражающее принципы русского неопримитивизма. Параллелью ему выступают созданные в это же время работы Ларионова, Гончаровой, Розановой и Малевича. 

       Ненадолго съездив в Италию в начале 1912 года, Иван Пуни вернулся в Петербург и познакомился с одним из лидеров русского авангарда Н.И.Кульбиным, который высоко оценил работы молодого автора и привлек его к участию в выставках объединения «Союз молодежи». Оказавшись в кругу молодых экспериментаторов, Пуни вскоре выдвинулся на позиции лидера авангардных акций. Этому также немало способствовала его женитьба в 1913 году на Ксении Богуславской – художнице и поэтессе, тесно общавшейся с В.Хлебниковым, братьями Бурлюками, В.Маяковским, М.Матюшиным и другими представителями самого радикального крыла молодых новаторов живописи и литературы. Все они собирались в доме четы Пуни на Гатчинской улице, который стал своего рода штабом революционных начинаний в искусстве. В 1915 году Пуни и Богуславская организовали и финансировали в Петербурге нашумевшие выставки «Трамвай В» и «0,10», обозначившие перелом в авангардном движении. На выставке «0,10» впервые появились произведения супрематизма и из уст его основателя К.Малевича прозвучали идеи этого созданного им направления. 

       В 1914 году Пуни принял участие в издании футуристического сборника «Рыкающий Парнас», собравшего в себе программные тексты и довольно вызывающие рисунки лидеров авангарда. Как младший его представитель, Пуни здесь еще следовал стилистике неопримитивизма, в синтез с которым вступала природная импульсивность художника, воплощенная в особом динамизме синкопированных ритмов и угловатых линий рисунка. 

       В это же время Пуни создал ряд живописных композиций, в которых отразилась кубофутуристическая тенденция – своеобразная российская версия, соединившая выдвинутую футуризмом цель передачи в картине времени и движения со свойственными кубизму поисками новых, парадоксальных соотношений форм и деталей предметов. Наиболее ярко эта тенденция проявилась в работах 1914 года «Гармоника» и «Портрет жены художника», метафорически передающих внутреннее строение вещей и ассоциативно трактующих индивидуальную специфику человеческого образа. 

       В 1915 году творческий метод Пуни испытал новое существенное преобразование. Первым увидев супрематические холсты Малевича, он сразу примкнул к этому направлению, стал его страстным приверженцем, хотя и оставался в его русле не слишком долго. Одновременно художника увлекла совершенно иная тенденция, связанная с пластическими открытиями Татлина и свидетельствующая о знакомстве с экспериментами Пикассо. В середине 1910-х годов Пуни создал произведения, соединяющие форму картины и выходящего в реальное пространство объекта, составленного из простых бытовых предметов. Эти работы получили название скульптоживописных конструкций. Как и в работах ряда других русских художников – И.Клюна, О.Розановой, Л.Поповой – в них был осуществлен синтез приемов живописи и скульптуры. В образном плане эти построения тяготели к абсурдным по смыслу алогическим картинам и коллажам Малевича. Но в отличие от эпатажной запальчивости и агрессивности произведений Малевича, работы Пуни проникнуты настроением легкой игры, тонкой иронии, свободной манипуляции парадоксальными сопоставлениями и даже некоторым оттенком лиризма. Таковы не только коллажи, но также графические и живописные работы художника, примером чего является одна из центральных картин этого периода его творчества – «Мытье окон» 1915 года. 

       Одно из наиболее радикальных открытий авангарда 1910-х годов состояло в том, что представленный на выставке в качестве художественного произведения объект в действительности не имел с искусством ничего общего. Родоначальником этой тенденции стал французский художник Марсель Дюшан, который в качестве скульптурных композиций представил настоящий писсуар и велосипедное колесо. Пуни предложил свою версию этой тенденции. Со свойственным ему стремлением к эстетизму и гармонии он соединил сугубо бытовой предмет с композицией чисто абстрактных форм и звучных цветовых сочетаний. Так строится натюрморт «Рельеф с молотком», знаменующий предельное проявление авангардного радикализма Пуни. 

       Работы Пуни, созданные на протяжении 1910 – начала 1920-х годов, можно подразделить на несколько достаточно самостоятельных групп, каждая из которых относится к определенному направлению авангардного искусства. Разрабатывая принципы кубофутуризма, супрематизма, исполняя живописно-пространственные объекты, художник выступал интерпретатором сложившихся систем современного художественного языка. Несомненным новаторством самого Пуни явился прием, характерный для одной из самых многочисленных групп его работ этого времени. Эта группа заложила основы направления, получившего название «леттризм». Текст, слово или фрагмент слова в картинах такого рода не просто включались в систему разнообразных пластических элементов, но полностью замещали изображение. Одной из первых в этом цикле была картина «Бани». Спустя несколько лет художник создал несколько вариантов этого полотна под разными названиями. Все их можно охарактеризовать как выполненные живописными средствами краткие, простые и емкие сообщения об увиденном объекте или запланированном действии. Близки к ним по стилистике два варианта картины «Бегство форм», написанные в 1919 году. Но сменивший статику композиционный динамизм, ритмика форм и даже их некоторый сумбур отражали иные импульсы, вызвавшие к жизни эти произведения. Пуни, в чьем творчестве всегда преобладали пластическая гармония, артистизм и музыкальность колорита, маскировавшие драматизм личных переживаний автора, не смог скрыть душевных метаний, обуревавших его на сломе десятилетий. 

       На первых порах послереволюционный подъем вовлек его, как и многих других представителей русского авангарда, в русло общественной и педагогической деятельности. Он принял участие в праздничном оформлении Петрограда к первой годовщине Октябрьской революции, стал профессором Государственный свободных художественных мастерских, принял приглашение М.Шагала преподавать в витебское художественное училище, некоторое время проработал в Коллегии Наркомпроса по делам искусств. Вернувшись осенью 1919 года из Витебска в Петроград, испытавшие разочарование в революционных перспективах Пуни и Богуславская приняли решение покинуть Россию. По льду Финского залива они направились за границу – в получившую самостоятельный государственный статус Финляндию. Оказавшись там и воспользовавшись греческим происхождением Ксении Богуславской, супруги получили визу на въезд в Грецию, но по пути туда остановились в Берлине, где прожили с 1920 по 1923 год. 

       Берлинский период жизни Пуни отмечен насыщенной организационной деятельностью и немалыми творческими успехами. Он принял активное участие в создании «Дома искусств», где встречались деятели русской культуры; участвовал в организации Союза русских художников; работал над оформлением книг и постановок театров-кабаре; много выступал в прессе; выпустил книгу «Современная живопись», посвященную серьезному анализу авангардных направлений; в 1921 году провел свою первую персональную выставку в знаменитой галерее Херварта Вальдена Der Sturm. 

       Экспозиция носила ретроспективный характер и представляла почти все периоды и группы произведений художника. Каталог насчитывал 215 живописных и графических работ. Некоторые из них Пуни удалось привезти с собой из Петрограда. Остальные были созданы в короткий срок, предшествующий проведению выставки в Берлине. Особой выразительностью и своеобразием обладал экспозиционный дизайн выставки, полностью осуществленный самим Пуни. Фасад галереи и интерьер залов были оформлены в духе остроумной игры и аттракциона. Пользуясь современной терминологией, в концепции выставки можно было увидеть преддверие целостной инсталляции, выражающей единую идею, а в сопровождающих ее театрализованных акциях – элементы перформанса. 

       Творчество Пуни берлинского периода принесло немного нового в дальнейшее формирование его художественного языка. При этом созданные в это время произведения имели несомненные эстетические достоинства. Их особенностью был синтетизм, обобщавший поиски предшествующего этапа, и концентрация внимания на жанре натюрморта, к которому художник обращался и во второй половине 1910-х годов. Начиная с этого времени, живописные натюрморты Пуни обрели черты большей традиционности в сравнении с объектами или супрематическими композициями. Деформируя предмет в духе сезаннизма, художник привносил в трактовку реальности некоторую интимность и загадочность. Все большую роль играла многообразная разработка фактуры картинной поверхности, изысканная игра цветовыми плоскостями и пространственными планами. Все эти принципы были развиты в берлинских натюрмортах Пуни. 

       В нескольких работах начала 1920-х годов художник объединил пластическую тему натюрморта и портрета. Подчеркивая стремление к синтезу формальных приемов, жанровых схем и сюжетов, центральное произведение этого периода Пуни назвал «Синтетический музыкант». Лирический облик героя картины смело соотнесен с элементами буффонады в изображении разложенного на составные части фантастического музыкального инструмента. Реминисценции кубофутуризма в компоновке плоскостей и деталей предметов вступили в неожиданное, но органичное сочетание с глянцевой живописью картины, напоминающей «гладкопись» академических холстов. 

       В 1924 году Пуни и Богуславская переехали из Берлина в Париж. Начался более чем 30-летний и самый плодотворный период творчества художника, на протяжении которого он создал более 1200 произведений. За эти годы Пуни принял участие во множестве групповых и провел 9 персональных выставок в Париже, Лондоне и Нью-Йорке. После первых трудных лет, когда приходилось отводить время заказным работам, наступили годы признания мастера, омраченные лишь периодом немецкой оккупации. В это время супруги Пуни переселились из Парижа на юг Франции. В 1946 году, после получения долгожданного французского гражданства, Пуни был удостоен ордена Почетного Легиона. 

       Живопись 1920 –1950-х годов претерпела существенные изменения по сравнению с предшествующим творчеством художника. Постепенно, но неуклонно он отошел от авангардных исканий прошлого. Это соответствовало веяниям эпохи и стилевым особенностям искусства многонациональной Парижской школы, в ряды которой влился Пуни. Из его произведений ушла игровая парадоксальность, метафоричность и тяга к эксперименту. Традиционный пейзаж, натюрморт и живопись модели составили преимущественное число работ. В их решении отчетливо проступали приемы импрессионизма и фовизма. Палитра эволюционировала от большей сдержанности, доминанты сребристо-серых и светло-коричневых тонов к открытой декоративности поздних полотен. Иногда в живописных работах появляелась острота жанровых зарисовок, изображение бытовых сценок. В прежние годы Пуни обращался к этому почти исключительно в графике, которая составляла отдельный значительный пласт его творчества. Ныне рисунок отошел на второй план, уступив место цветовому аккорду, нюансы, строй и наполненность звучания которого варьировались в каждой картине. Мажорность сочетаний красочных пятен передавала присущее художнику в эти годы любование натурой. Но наряду с проникнутыми им видами Парижа и яркими натюрмортами встречались произведения, в настроении которых преобладала печальная созерцательность. Несмотря на постоянное общение со своими коллегами, литераторами, выходцами из России и других стран, к концу жизни художник чувствовал себя внутренне одиноким, лишенным по-настоящему дружеских связей. Но как и прежде, его искусство редко выдавало состояние душевной драмы и осознание призрачности публичного успеха. Наследие зрелых лет Пуни вошло в историю как одно из масштабных, цельных по восприятию мира и совершенных по живописному мастерству явлений интернациональной Парижской школы. 

       Иван Альбертович Пуни скончался 28 декабря 1956 года в своей мастерской на улице Нотр-Дам-де-Шан и был похоронен на кладбище Монпарнас. 

Источник: http://cor.edu.27.ru/dlrstore/b61ec1c0-aa95-41f5-b860-dbb289f3bc92/Puni_biogr.htm